Просмотр сообщений в: творчество

5-летняя девочка, страдающая аутизмом, и ее удивительно атмосферные картины

Аутизм – расстройство, влияющее на социальное взаимодействие с другими людьми, а также на восприятие окружающей действительности и понимание всего происходящего. Его особенность заключается в том, что на каждого человека аутизм влияет по-разному. 5-летняя малышка Ирис Грейс (Iris Grace) из Великобритании страдает от этого неврологического недуга. Но аутизм преподнёс девочке неожиданный подарок в виде исключительного внимания к деталям, что помогло Ирис научиться создавать невероятно красивые картины, которые покупают многие почитатели её творчества, сравнивая работы юного дарования с Клодом Моне.  

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace

Маленькая Ирис только начала учиться говорить, в то время как её сверстники вовсю разговаривают. Наряду с занятиями с логопедом, ее родители постепенно стали приобщать свою дочь к живописи, случайно обнаружив е удивительный талант.

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace

«Мы решили  приобщить Ирис к рисованию, чтобы улучшить её восприятие. Мы были удивлены, обнаружив её необычайный талант и поняли, что наша дочь очень талантливы ребёнок. Она имеет невероятный диапазон концентрации и каждую свою картину она пишет около двух часов, уделяя особое внимание деталям. Ее аутизм создал особый стиль живописи, который я никогда не видела в детских рисунках. Ирис имеет понимание цвета и то, как они взаимодействуют друг с другом», - пишет мама девочки Арабелла Картер-Джонсон на своём сайте. 

Вот некоторые из работ Ирис:

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace

Пушистый помощник 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace 

5-летняя художница аутизм,  Ирис Грейс, Iris Grace

Источник


Спонтанное творчество в реальной жизни

Если на работе или же на отдыхе вас посетило творческое вдохновение, то игнорировать сей порыв это самое настоящее преступление. Ведь для творчества не существует каких-то временных рамок и мест. Нужно лишь прислушаться к зову сердца и творить! Предлагаю вашему вниманию несколько примеров проявления спонтанного творчества.

Немного фантазии и даже ваши чугунные батареи заиграют новыми красками. 

Ванна известного американского художника Сола Стейнберга. Автору явно никогда не было одиноко. 

Хотя работа оператора башенного крана и не располагает к романтике, китаец Вэй Геншень подходит творчески к своей работе, делая впечатляющие фотографии с высоты более 600 метров. И даже выиграл городской фотоконкурс. 

Стив Венегас очень любит свою жену и очень не любит шопинг. Чтобу не скучать, пока его девушка занята покупками, Стив придумал себе интересное занятие — он одевается как манекен и фотографируется с ним. 

Радди Мадди зарабатывает на жизнь доставкой цветов. Радди не частый гость автомоек, зато рисунки на его микроавтобусе поднимают настроение сотням людей ежедневно. 

Финка Вирпи Вессанен-Лауканен решила сделать повседневные поездки людей яркими и радостными. Для этого она украсила сиденья автобуса кружевами, материал для которых она нашла на барахолках. 

Рука не поднимется стереть такую красоту. 

Манхэттен. 

И физический труд может быть творческим. 

Собирали гальку с другом-художником. 

А где Мазай? Я за него. 

Укладывальщик свитеров 80 уровня. 

Мир глазами схемотехника. 

Свою первую машину Ford Fiesta 1988 года выпуска британец Патель не продал, а собрал из него трансформер. Оптимус Прайм уже не тот. 

Вот уж чего действительно не ожидаешь увидеть в подъезде. 

Мамы такие мамы. 

Источник


Наш прекрасный мир…

Джим Ричардсон – американский фотожурналист, работающий в Национальном Географическом Обществе
Тематика его работ включает вулканы, сельское хозяйство, реки и водоносные пласты; Великобританию, особенно людей, культуру и пейзажи Шотландии,родину его родителей – Корнуэлл.















































Источник

 


Это просто глаз, но, Боже, что за глаз!

"Моне - Это просто глаз, но, Боже, что за глаз!"
Именно так охарактеризовал великого художника, своего друга и соратника, французский импрессионист Поль Сезанн. В годы жизни Клода Моне (1840-1926) в искусстве и в науке произошло формирование нового представления о цвете. В искусстве - это период между романтической изобразительной традицией и абстрактным экспрессионизмом. В науке именно в это время были открыты физические законы, касающиеся света и цвета, и выяснены особенности восприятия цвета человеческим глазом и мозгом.

 Глаз и свет

В 1874 году тогда еще малоизвестный художник Оскар Клод Моне представил на выставку общества анонимных художников картину, первоначальное название которой - "Порт Навре", но у нее есть подзаголовок "Впечатление: Восход". Именно этот подзаголовок картины, вызвавшей бурю неодобрительных отзывов в прессе, дал название новому направлению в живописи - импрессионизму ("импресьон" - по-французски "впечатление"). Теперь, когда все битвы за новое искусство отшумели, любой ценитель скажет, что картина очаровывает зрителя светом, атмосферой и красками.



Известно, что зрение Клода Моне ухудшалось на протяжении всей его жизни. Изменения зрения у Моне многие специалисты связывают с переменами в его манере изображения, хотя цель художника всегда заключалась в передаче неуловимых модуляций света без каких-либо интерпретаций. Однако процесс изменения зрения и манеры письма великого художника позволяет многое узнать о старении органов зрения.

На первый взгляд, ухудшение зрения - атрибут старости, но это впечатление обманчиво: органы зрения постоянно меняются на протяжении всей жизни человека.

Один из факторов изменения зрения, связанного с возрастом, - это воздействие солнечного света на глаз. Моне был первым, кто предпочитал рисовать свои картины только на открытом воздухе в любую погоду и во все времена года. (Хотя, конечно, и другие художники рисовали "на пленэре".) Видимо, поэтому уже в 1867 году, в 27 лет, у Моне были проблемы со зрением. Он заметил, что зрение его ухудшается после дня работы на свежем воздухе. Врачи посоветовали ему рисовать в помещении. Чтобы понять, почему ухудшалось зрение художника, попробуем разобраться в том, как действует солнечный свет на человеческий глаз.

К видимому спектру света относятся волны длиной примерно от 400 до 700 нанометров. При длине волны 400 нанометров свет фиолетовый, а волны с длиной меньшей, чем у фиолетового света, называют ультрафиолетовым излучением. С другого конца этого видимого спектра (длина волн 700 нанометров) свет красный, излучение с большей длиной волны называют инфракрасным.

Энергия, заключенная в одном кванте света, обратно пропорциональна длине его волны. В кванте света при ультрафиолетовом излучении содержится энергия, достаточная для того, чтобы возбудить последовательный ряд окислительных реакций в клетках сетчатки, что пагубно влияет на зрение. В принципе, свет любой длины волны может повредить глаз, но чем короче длина волны, тем больше энергия одного кванта света, тем выше вероятность повреждения чувствительных клеток глаза.

В нормальных условиях имеется несколько естественных защитных приспособлений, оберегающих глаз от фотохимического повреждения, вызываемого светом. Например, по всему глазу распределены разнообразные молекулы-антиокислители, которые нейтрализуют вредные для клеток реакции. Кроме того, клетки способны постоянно восстанавливать и замещать практически все свои части, поэтому поврежденные компоненты клеток постепенно заменяются новыми. Самое же главное защитное приспособление - это поглощение световых волн хрусталиком до того, как они смогут достичь сетчатки. Хрусталик новорожденного светлый и чистый, но он заметно желтеет у взрослых. Принято считать, что с возрастом хрусталик все более эффективно поглощает излучение наиболее коротких световых волн (ближе к фиолетовому). Дело в том, что плотность тканей глаза и особенно хрусталика увеличивается с младенчества до самой смерти.

Крайняя точка этого процесса - помутнение хрусталика, его еще называют радиоактивной катарактой. Именно это заболевание и развилось у Клода Моне. Позднее физиологи получили экспериментальные и эпидемиологические данные, указывающие на то, что старение и помутнение хрусталика частично обусловлено поглощением глазами ультрафиолетового излучения. Другими словами, длительное воздействие солнечного света на глаз ускоряет процесс старения хрусталика.

Что же такое цвет?

Чтобы ответить на этот вопрос, попытаемся разобраться, как мы воспринимаем цвет. Основы нашего понимания этих процессов были заложены физиками Джеймсом Клерком Максвеллом и Германом Гельмгольцем в середине XIX века. Они обосновали положение об аддитивном и субтрактивном сочетаниях цветов. Эту особенность немного позже "воплотили в жизнь" импрессионисты.

Субтрактивное сочетание цветов - это, например, соединение синей и желтой красок, которое дает зеленый оттенок. Этот эксперимент может провести любой ребенок, смешав на белом листе желтую и синюю краски. Если мы пропустим дневной свет через два последовательных фильтра, синий и желтый, то синий фильтр пропустит главным образом короткие волны и волны средней длины, в то время как желтый фильтр - длинные волны и волны средней длины. В результате оба фильтра пропускают в основном волны средней длины, которые мы обычно называем зелеными. При субтрактивном сочетании цветов всегда теряется часть света определенной длины волны.



В случае аддитивного сочетания цветов свет параллельно пропускается через желтый и синий фильтры таким образом, что оба луча достигают глаза. Сочетание, получившееся в результате, оказывается бесцветным. Если синее пятно расположить рядом с желтым таким образом, что свет от каждого параллельно отражается в глаз, то два отраженных пучка света не распадутся на отдельные пятна, а сочетание двух цветов окажется серым или бесцветным.

Исследуя аддитивное сочетание цветов, английский физик Максвелл подтвердил необходимость соотношения трех пучков света, чтобы получить ахроматическое, бесцветное пятно. Другой физик, Гельмгольц, доказал, что любой спектр можно подобрать с помощью соответствующего сочетания трех пучков света. Исходя из этих наблюдений, они верно заключили, что чувствительные клетки сетчатки глаза - рецепторы - должны быть трех видов. Предположения Гельмгольца были изложены в его книге "Руководство по физиологической оптике" (1867). Ученый был прав, однако в самом грубом приближении, так как связь между деятельностью трех типов чувствительных клеток и восприятием цвета гораздо сложнее. Более правильно классифицировать типы рецепторов по порогу их чувствительности при короткой, средней и длинной длине волны.

Несколько лет назад американские физиологи В. Стил и Дж. Вернер показали, что чувствительность трех типов чувствительных колбочек - клеток, определяющих наше цветовосприятие, - линейно уменьшается с увеличением возраста. Факторы, способствующие потере чувствительности, многообразны, но главный - это воздействие солнечного света. Воздействие ультрафиолетовых лучей и видимого света с короткой длиной волны ускоряет процесс старения сетчатки глаза.

Кредо импрессионизма

Пока Максвелл и Гельмгольц развивали теории о физиологической основе сочетаний цветов, Моне, Мане и Ренуар экспериментировали с аддитивными и субтрактивными сочетаниями цветов на холстах. Именно здесь были заложены многие основы стиля Моне, включая живопись "на пленэре" и изображение сложной игры теней и света. Позже в 1921 году художник-неоимпрессионист Поль Синьяк написал исторический доклад "Эжен Делакруа в неоимпрессионизме". В этой работе он описал четыре аспекта технических приемов импрессионизма, подведя теоретическую базу под поиски нового искусства.

Первый аспект - палитра должна была состоять из однородных цветов, чистых красок. Импрессионисты старались использовать самые насыщенные красящие вещества. Второй аспект - особенность смешивания красок на палитре и получение оптических сочетаний, которые относились к использованию аддитивного и субтрактивного сочетания цветов. Следующий принцип: импрессионизм - это "метод вдохновения и интуиции", основанный на нежелании импрессионистов следовать строгим методам и канонам академического искусства. И, наконец, Синьяк придает особое значение манере импрессионистов класть мазки в виде запятой.

Эти мазки можно увидеть на многих картинах Моне, но он пользовался самыми разнообразными способами наложения мазка и специально подбирал их так, чтобы они наилучшим образом соответствовали текстуре полотна. Он использовал пестрые разнообразные краски, чтобы передать на холсте рябь на воде или изобразить клубы дыма или пар. На некоторых своих картинах Моне передал тени, отраженные в воде, главным образом, с помощью вертикальных линий, в то время как плавающие листья кувшинок, наоборот, переданы толстыми горизонтальными мазками. Эти рисунки можно считать первым шагом к абстракционизму.



Вспоминая период в своей жизни, когда он и Ренуар рисовали вместе, Моне говорил: "С моих глаз как будто сорвали завесу, и я понял, какой может быть живопись". Однако скоро другая завеса была сорвана с глаз Моне, когда он увидел работы Дж. М. Тернера, безусловно, одного из самых талантливых художников Англии.

Тернер пытался передать в своих картинах свечение и разнообразие яркости цвета. Он приблизился к тем тончайшим зрительным впечатлениям, которые возникают, когда свет отражается водой или просматривается сквозь дождь, пар или туман. Изображения такого рода - наиболее трудные для художников - блестяще удавались Тернеру. Как он достиг этого?



Тернер экспериментировал с группой цветов, размещенных рядом, чтобы изучить, каким образом цвета влияют друг на друга. Он фактически не имел специального художественного образования, но секрет его успеха, возможно, в другом - Тернер работал над переводом произведения Гете "К учителю рисования".

Гете в свое время хотел стать художником, но ему недоставало таланта. Он написал трактат "К учителю рисования", в котором предвидел современную теорию цветов.

Гете описал, как наилучшим образом использовать законы восприятия цвета в живописи. Тернер признал его точку зрения и использовал ее в своей живописи. Чтобы усилить участки светло-желтого цвета, он окружал их участками темно-синего цвета. Манера письма Тернера предвосхитила импрессионизм и экспрессионизм. Художник Поль Синьяк писал, что импрессионисты изучали работы Тернера и восхищались им.

Другой французский художник, Эжен Делакруа, так же, как и Tернер, смело использовал цвета и сочетания красок. Импрессионисты увлекались идеями Делакруа об одновременном контрасте. Он когда-то сказал: "Дайте мне грязь улиц, и я превращу ее в сочную плоть женщины, если вы мне позволите окружить грязь как мне угодно". Если предположить, что сочная плоть, которую имел в виду Делакруа, была белой, то экспериментальным образом можно доказать, что он был прав. Физиологи Ж. Валравен и Дж. Вернер провели такой эксперимент и показали, что любой цвет может казаться белым в зависимости от сочетания с окружающими его цветами.



Что такое цвет для клеток и нервов

Эвальд Геринг, профессор физиологии в Вене, а затем в Праге и Лейпциге, сделал предположение, что существует четыре основных цвета: красный, зеленый, желтый и голубой, и все цветовые ощущения основываются на комбинациях указанных выше цветов. Дальше Геринг допустил, что восприятие цветов, с точки зрения физиологии, организовано в антагонистические пары, которые затрагивают процессы возбуждения и торможения нервов и чувствительных клеток. В результате восприятие, например, красного и зеленого цветов никогда не происходит одновременно в одно и то же время и в одном и том же месте. По этой причине он относил эту пару цветов к противоположным.

Современные данные физиологов подтверждают, что действительно существуют красно-зеленые и желто-голубые, противоположные друг другу каналы связи, формирующие наше представление о цветах. Американские физиологи Б. Вутен и Дж. Вернер обнаружили, что эти противоположные механизмы непосредственно формируют цветовую реакцию наблюдателя. Исследователи предположили, что противоположные процессы представляют собой особую сеть нервов, отвечающих за восприятие цвета.

Профессор физиологии в Фрайбурге Д. Иоханнес фон Крайс на пороге ХХ века выдвинул теорию зон. Согласно ей, зрительное восприятие цвета связано с деятельностью трех классов чувствительных клеток - колбочек. Более современная версия такой модели зоны - чувствительные клетки активизируют работу нервной системы либо при возбуждении, либо при торможении. Комбинации возбуждения и торможения всех трех видов рецепторов и вызывают разнообразные цветовые ощущения.

Б. Шефрин и Дж. Вернер определили точки равновесия этих противоположных механизмов восприятия цвета у людей в возрасте от 13 до 74 лет. Результаты оказались неожиданными: они доказывали, что не происходит значительного изменения в восприятии длин волн чисто голубого и желтого цветов, несмотря на разницу в возрасте. Эти данные показывают удивительную стабильность в восприятии цвета на протяжении жизни. По-видимому, органы зрения все же адаптируются к изменениям в освещении сетчатки глаза, которые происходят с возрастом.

Однако вернемся к Моне. С 1871 года по 1881 художник жил в Aржантее и Ветейле. В этот период жизни на многих его картинах - эпизоды безмятежной жизни за городом с женой и юным сыном Жаном, например на картине "Завтрак" или "Маки в Аржантее".

Это было счастливое время жизни Моне, которое в 1879 году трагически оборвалось: умерла его жена Камилла. Неукротимая любовь Моне к изменяющимся эффектам цвета заставила его нарисовать ее портрет на смертном одре, показав изменение цвета ее лица. Он вспоминал: "Я пристально смотрел на трагическое выражение лица, непроизвольно пытаясь установить последовательность, пропорции света и тени в красках, которые смерть наложила на неподвижное лицо. Оттенки голубого, желтого, серого и я не знаю еще каких цветов. Я познал это".

Мир глазами Моне

К 1890 году в возрасте 50 лет Клод Моне, уже всемирно известный художник, перестроил старый жилой дом на ферме и нанял шесть садовников, чтобы ухаживать за цветами в саду. Он очень любил цветы, и его сад представлял великолепное зрелище: мы можем об этом судить по его многочисленным картинам. Кроме великолепия этого сада, Моне любил также рисовать стога сена за своим домом, передавая едва уловимые волнообразные движения света и цвета.



Моне подчеркивал: "Я пытался сделать невозможное - нарисовать сам свет".

Он нарисовал еще несколько серий картин, включая полотна с изображением собора в Руане. Каждая картина передает игру света и теней в разное время суток: раннее утро, когда солнце ласково пробивается сквозь туман, обволакивающий шпили собора, и полдень, когда весь фасад утопает в солнечном свете.



Картина, на которой изображен полдень, должна бы отражать в несколько тысяч раз больше света по сравнению с той, где запечатлено раннее утро. Моне не смог бы передать этого на полотне, но ему это не было нужно. Наши органы зрения нечувствительны к общему уровню света на большом расстоянии. Моне понял другие особенности человеческого зрения: общий уровень света увеличивается, когда вместе с ним увеличивается различимый контраст - желтый и голубые цвета становятся более насыщенными, черный - чернее и белый - белее.

Пейзаж, который привлекал внимание художника более 25 лет, это его садик в Живерни, особенно кувшинки и мостик в японском стиле. Мостик на одной картине был нарисован в 1899 году, а на другой - двадцатью годами позже. Между ними, кажется, нет ничего общего. Эта разница между картинами объясняется очень печально. Можно увидеть не только разницу в цветах, но и менее отчетливые линии - несомненно, из-за рассеивания света, вызванного помутнением хрусталика глаза художника.



В 1912 году, когда Моне было 72 года, доктор в Париже поставил диагноз, звучавший как приговор: двусторонняя катаракта. Так как катаракта прогрессировала, художник не мог больше рисовать при ярком свете или создавать картины с ярким фоном. Тем не менее он отказался от операции на хрусталике - из-за страха, что в результате его зрение еще больше ухудшится, а цветовосприятие станет искаженным.



Несмотря на плохое зрение, Моне попытался осуществить мечту давних лет - создать огромные полотна, которыми было бы заполнено все пространство внутри комнаты и на которых были бы изображены вода и цветы во всем их неуловимом блеске. Однако он не мог больше различать многие цвета своих красок, и в своем выборе цвета полагался на название, которое читал на этикетке тюбика, а потом запоминал точное расположение тюбиков на палитре. Он понимал, что многие его картины были слишком темными, поэтому часть их он изрезал или уничтожил.



Однажды Моне сказал, что хотел бы родиться слепым, а потом прозреть, чтобы передавать на полотне свои впечатления, не находясь под влиянием прошлого опыта. В 1922 году, в возрасте 82 лет, он, по существу, стал слепым на правый глаз и едва видел левым глазом. Тем не менее он говорил: "Я буду рисовать даже слепым, как и Бетховен, который сочинял музыку, будучи абсолютно глухим". Чтобы хоть как-то улучшить зрение хоть на несколько часов, он принимал специально прописанные лекарства, расширяющие зрачки. Моне практически не рисовал голубыми красками в этот период. Из-за сильной катаракты на его глаза падало малое количество света с короткой длиной волны, что делало невозможным отличить голубой цвет от черного. Компенсирующие процессы, поддерживающие восприятие цвета в старости, исчерпали себя. Вскоре он уже не мог рисовать.

В эти годы Моне часто посещал его старый друг Жорж Клемансо, который достиг поста премьер-министра Франции. К началу 1917 года, когда первая мировая война близилась к концу, Моне согласился передать в дар Франции два больших панно из "Больших Декораций", чтобы отпраздновать прекращение военных действий. Однако Клемансо убедил его отдать в дар не два панно, а все, что Моне запланировал создать, - с условием, что для их размещения будет специально построен музей по плану самого Моне. Именно Клемансо уговорил Моне сделать операцию по удалению катаракты.



В течение 6 месяцев после удаления катаракты у Моне развилась вторичная катаракта. Однако художник обнаружил, что зрение улучшалось, если он закрывал один глаз, обычно левый. В тот период Моне жаловался, что, смотря левым глазом, пораженным катарактой, он видел все в слишком желтых красках, в то время как, смотря прооперированным глазом, он видел мир в насыщенном голубом цвете. Некоторые картины были написаны то с одним закрытым глазом, то с другим. Разница между двумя видами поразительна.

В июле 1925 года, через три года после первого удаления катаракты, Моне заявил, что у него полностью восстановилось зрительное восприятие света: это произошло благодаря тому, что его органы зрения адаптировались к новым условиям. Он был в приподнятом настроении и полон энтузиазма. В 85 лет он снова стал рисовать и завершил не 19 обещанных картин, а 22. К сожалению, Моне не суждено было увидеть эти картины в музее, о котором он мечтал. Художник умер незадолго до открытия музея, 5 декабря 1926 года. В последние минуты его жизни Клемансо был рядом с ним. Однажды Моне сказал Клемансо: "Положи свою руку в мою и давай поможем друг другу увидеть вещи в лучшем свете". Через два месяца после смерти Моне Клемансо открыл музей Оранжери, где были выставлены знаменитые "кувшинки" Моне, и помог людям увидеть мир в лучшем свете - глазами Моне.



С. МАКАРОВА По материалам журнала "Alexander von Humboldt Stiftung. Mitteilungen".


Секреты психологии: О чем расскажет детский рисунок

Один и тот же сюжет или пейзаж каждый ребенок нарисует по-своему. Каждый выберет краски, формы и линии, созвучные его внутреннему миру, ощущению, настроению. Ведь любое изображение сначала возникает в голове, а потом уже отражает на бумаге мысли и чувства автора.
 
Присмотрись, каким цветам ребенок отдает предпочтение
 
Особенно ярко это видно в детских рисунках. Конечно, нельзя делать вы вод на основании одного рисунка: "Раз нарисовал все черным фломастером, значит, у него депрессия". Для того, чтобы получить объективную картину состояния юного художника, нужно сравнить несколько рисунков, сделанных в течение месяца или двух.

Прежде всего – обрати внимание на сюжет рисунков. Наиболее частые сюжеты детских рисунков – животные и люди, солнце и небо, дома и деревья, трава и цветы. Отсутствие людей на рисунках может указывать на трудности в общении. Большое количество зубастых, рогатых, злых и опасных животных указывает на напряженное состояние ребенка.

Если мальчик в возрасте шести или семи лет рисует войну, оружие, динозавров, скорпионов – не волнуйся, это нормально. Таким образом он готовит себя к роли мужчины, защитника, воина, чтобы в реальной ситуации не растеряться от неожиданности и правильно среагировать в случае опасности.

Если девочка шести – восьми лет часто рисует принцесс, невест, бантики и розочки – это также нормально и говорит о том, что она готовит себя к роли девушки, женщины, самой обаятельной и привлекательной.

Цвет передает эмоции

При анализе цвета в рисунках нужно обращать внимание на те цвета, присутствие которых в рисунке преувеличенно или неоправданно. Например, когда весь рисунок выполнен черными контурами, и малыш отказывается его раскрашивать. Или красным нарисованы предметы, которые на самом деле "уж точно не красные".

Синий – цвет уверенности и спокойствия. Школа синего цвета – признак хорошей адаптации к учебному процессу.

Зеленый – передает ощущение надежности, принятия.

Красный – эмоциональное напряжение, раздраженность, конфликт. К примеру, красным может быть нарисован кто-то из членов семьи.

Желтый – активность, хорошее настроение, позитивный настрой.

Розовый – ощущение нежности, чувствительности.

Серый – состояние смутной тревоги.

Черный – указывает на подавленность и тяжелые переживания, если его слишком много в рисунках.

Независимо от цвета, полное заштриховывание, закрашивание, замазывание фигуры сигнализирует о негативных переживаниях. То, что закрашено, вызывает у  малыша большую тревогу или страх. Это может быть как фигура тяжело заболевшей бабушки, так и врач с уколом или злая собака.

Размер деталей рисунка

Важен как размер самого рисунка относительно листа бумаги, так и размер отдельных деталей. Маленький рисунок и мелкие фигуры указывают на неуверенность, робость, тревогу юного художника. Расположение рисунка выше средней линии листа говорит о завышенной самооценке и недовольстве своей ролью в коллективе, группе.

То, что для ребенка важно, он рисует большим. А то, что не очень значимо – маленьким. Рисуя своих друзей, он нарисует самым большим не самого высокого, а того, кто оказывает на него наибольшее влияние. А незначимые детали может вообще опустить. Обрати внимание, если пропущены руки – это указывает на трудности во взаимодействии с окружающим миром, в частности в общении. Сильно увеличенный размер головы на рисунке говорит о том, что у автора разум превалирует над чувствами, и он ценит в других людях ум и эрудицию. Увеличенный размер ушей указывает на значимость мнения окружающих – он как бы "прислушивается" к их словам.

И самое главное

Помни, что главное при анализе рисунка – это общее впечатление от рисунка. Какие эмоции выражены в нем? Радость, удовлетворенность или тоска, страх, одиночество – что сейчас живет в душе твоего ребенка? Что он хочет сказать тебе своим рисунком?

Источник


Бабушка Мозес

Одна из самых известных художниц Америки, Бабушка Мозес, не училась в школе. Она не заканчивала художественную академию. У неё не было учителей. Свой жизненный путь эта удивительная женщина начала обычной крестьянкой. Она жила на маленькой ферме, с раннего детства очень много работала. Мозес была из бедной семьи, ей пришлось с одиннадцати лет батрачить на богатых соседей. Очень поздно вышла замуж, и муж её тоже был беден, был таким же наёмным разнорабочим, как и она. Вся жизнь Мозес прошла в тяжёлых крестьянских трудах. 
 
 
 
Просыпаться нужно было до зари, доить коров, потом ухаживать за урожаем, воспитывать детей, убирать дом, готовить еду. Всю жизнь она работала не покладая рук. Всю жизнь она жила в маленьком провинциальном посёлке, где было очень мало людей. Её организм полностью износился, как старый ржавый автомобиль, она уже не могла работать, но без дела тоже не могла сидеть и увлеклась вязанием. К сожалению, это занятие ей пришлось оставить, так как её мучили страшные боли в суставах.
 
 
Когда ей исполнилось 76 лет, дочка посоветовала начать рисовать. Мозес нигде не училась и никто не учил её рисовать. Её первые картины висели в местной аптеке. Проезжавший мимо инженер, увлекающийся живописью, обратил внимание на эти милые, примитивные картинки. За бесценок купил несколько. Начал выставлять в своей галерее, показывать друзьям. Так, постепенно, шаг за шагом, Бабушка Мозес стала самой знаменитой художницей Америки. Её картины дарили Президентам Америки на дни рождения. Она умерла в 101 год, создав более 1600 картин и рисунков.
 
 
Бабушка Мозес (англ. Grandma Moses, настоящее имя Анна Мэри Мозес, урождённая Робертсон, англ. Anna Mary Moses, b. Robertson; 7 сентября 1860 — 13 декабря 1961) — американская художница-любительница, одна из главных представителей американского живописного примитивизма.
 
 
Любила рисовать с раннего детства, однако большую часть жизни провела на ферме в штате Нью-Йорк, будучи женой фермера. Стала матерью пятерых детей. В зрелые годы занималась вышивкой, однако ближе к 70-летнему возрасту это стало для неё затруднительно из-за артрита. После смерти мужа в 1927 года Анна Мозес снова стала рисовать.
 
 
Рисовала Анна Робертсон (ее настоящее имя) почти всегда, но никто не интересовался и не развивал ее таланты. Поэтому, когда нью-йоркский коллекционер увидел ее работы в витрине аптеки и захотел их купить, она даже не поняла, что он хочет - то ли картины купить, то ли ее маленький домик. .
 
 
В течение 1940-х годов выставки Мозес прошли во многих европейских странах и в Японии. В 1941 году она получила государственную премию штата Нью-Йорк, в 1949 году президент США Гарри Трумэн лично вручил ей премию Национального Американского женского пресс-клуба. В 1952 году была издана её автобиография. В 1960 году, к столетию Бабушки Мозес, её фотография, сделанная известным фоторепортёром Корнеллом Капой, была помещена на обложке журнала «Лайф».
 
 
Живопись Бабушки Мозес изображает сельские пейзажи и бытовые сценки, зачастую они многофигурны и напоминают детские рисунки. Бабушка Мозес предпочитала зимние виды, летние писала реже. Один из летних пейзажей Мозес, «Старый пёстрый дом, 1862» (работа 1942 года), приобретённый у автора после создания за 110 долларов США, был продан в 2004 году на аукционе в Мемфисе за 60 000 долларов.
 
 
Публику поражали не столько картины, сколько сама Бабушка Мозес, как прозвали её журналисты. Она впервые взялась за кисть в том возрасте, когда большинство людей уже не ждут никаких подарков судьбы, а тихо доживают свой век. Начинающей художнице было 76 лет.
 
 
Её дни рождения отмечались на обложках журналов "Тайм" и "Лайф", а столетие и вовсе стало праздником целого штата Нью-Йорк: губернатор Нельсон Рокфеллер объявил 7 сентября 1960 года "днём Бабушки Мозес". Президент Трумэн лично приглашал её в гости в Белый дом. Администрация Эйзенхауэра заказала ей картину в подарок президенту на третью годовщину инаугурации...
 
 
Один критик сказал об Анне Мари Мозес: "Привлекательность её картин в том, что в них изображён тот стиль жизни, в существование которого американцы так любят верить, но которого больше нет". Её деревенские пасторали, сценки из быта американских фермеров прелестны и, безусловно, заслуживают место в истории искусства. Но сама по себе наивная живопись нигде и никогда не пользовалась бешеной популярностью.
 
 
Почти ничего, кроме фермы, она в жизни не видела. Она появилась на свет на окраине штата Нью-Йорк, в графстве Вашингтон. И по сей день отнюдь не центр цивилизации, в 1860 году это была и вовсе глухая деревня.
 
 
Анна Мари считала своё детство счастливым, хотя семья её родителей, фермеров Робертсонов, достатком избалована не была. Девочка успела получить лишь самое простое образование: научилась читать-писать, да и только. Двенадцати лет от роду она пошла в прислуги к более удачливым соседям.
 
 
Зарабатывая на кусок хлеба, Анна Мари чуть было не упустила своего счастья, и вышла замуж только в 27 лет (в таком возрасте женщины считались уже безнадёжными старыми девами). Партию блестящей назвать сложно: Томас Салмон Мозес был таким же наёмным рабочим, то есть без гроша за душой. Но в медовый месяц молодые всё же отправились в путешествие. Если, конечно, так можно назвать поиски места, где больше платят...
 
 
В родные края Мозесы вернулись только через восемнадцать лет – столько потребовалось, чтобы скопить денег на покупку своей земли. И в 1905 году Мозесы обосновались на собственной ферме неподалеку от городка Орлиный Мост. У Анны Мари и Томаса было к тому времени пять детей (ещё пятеро умерли, не дотянув и до года).
 
 
Когда в 1927 году Томас Мозес умер из-за сердечного приступа, делами семейной фермы занялся младший из сыновей. А старая миссис Мозес вдруг оказалась не у дел. Свободного времени стало слишком много.
 
 
Отнюдь не кокетничая, она рассказывала позже в телеинтервью: "Я просто не могла сидеть в кресле-качалке". Миссис Мозес занялась вышиванием, но ещё несколько лет спустя артрит превратил рукоделие в пытку. И тогда дочь предложила матери рисовать...
 
 
Это было весьма удачное время: в конце 30-х годов в Америке вспыхнул интерес к художникам-самоучкам "из глубинки". К ним были благосклонны выставочные залы, в первую очередь недавно открытый нью-йоркский Музей современного искусства. Появились и частные коллекционеры "народного" творчества...
 
 
История умалчивает, каким ветром в 1938 году инженера Луиса Калдора занесло в провинциальный городишко Хусик Фоллс. Но что бы ни искал он в этом захолустье, а наткнулся на картины Анны Мари, пылившиеся в витрине местной аптеки. Калдор был настолько очарован, что отыскал автора и приобрёл у неё несколько работ.
 
 
Он даже умудрился протолкнуть три картины Мозес на выставку "Современные неизвестные американские живописцы" в Музее современного искусства. Правда, мероприятие было закрытое, проводилось для специалистов, а опыта общения с этой публикой Калдор не имел...
 
 
Однако год спустя судьба свела энтузиаста с владельцем новой нью-йоркской "Galerie St. Etienne" Отто Каллиром. В отличие от восторженного Калдора, тот был в артбизнесе профессионалом. Правда, в этот момент Каллир начинал с нуля: после аннексии Австрии фашистской Германией ему пришлось уносить ноги с родины. Недавный эмигрант пытался застолбить место под американским солнцем. Калдор принёс ему именно то, что надо. 
 
 
В октябре 1940 года в "Galerie St. Etienne" открылась персональная выставка Анны Мари Мозес – "Что рисует жена фермера".
 
 
Вторая мировая плавно перетекла в холодную войну. Америка как никогда нуждалась в собственном искусстве как элементе пропаганды. И Бабушка Мозес невольно оказалась "на передовой". Она стала одной из главных участниц передвижных выставок, которые Информационная служба США организовывала в разорённой войной Европе...
 
 
Однако хороший приём картин Мозес в Старом Свете получил странный резонанс на родине художницы. "Европейцы любят думать, что Бабушка Мозес представляет американское искусство. Они хвалят нашу наивность и честность, но отказывают нам в возможности полноценного, искушённого художественного выражения. Бабушка Мозес – именно то, что они ожидают от нас, что они готовы нам позволить", – писала "Нью-Йорк Таймс" в 1950 году.
 
 
К этому времени в художественном мире США переменился ветер. Профессиональные живописцы слишком долго ощущали себя незаслуженно обойдёнными вниманием Музея современного искусства и иже с ним. Борьба с самоучками в конце концов увенчалась успехом профессионалов – к исходу 40-х годов интерес американского арт-рынка к "народному искусству" иссяк. Мозес оставалась последним бастионом, пока критики не списали её популярность на низменные вкусы публики и политические игры.
 
 
Мнение это столь прочно укоренилось, что к началу XXI века имя Мозес было несколько подзабыто. И юбилейная выставка, организованная наследниками Отто Каллира, нынешними владельцами "Galerie St. Etienne", стала неожиданным и приятным открытием для новых поколений критиков и зрителей.
 
 
Вокруг её имени критики ломали копья, а она тихо жила в своей провинции. Здоровье не позволяло ей трудиться на ферме – разве что кормить кур. И рисование стало её работой. За четверть века (Бабушка Мозес умерла когда ей шёл 101 год) ею было создано больше 1600 картин, рисунков, иллюстраций.
 
 
Бабушку Мозес мало заботило мнение художественного мира. Признание со стороны прессы и политиков скорее утомляло, чем радовало, – приходилось временами покидать родные места и ехать в какой-нибудь грязный, многолюдный Нью-Йорк. Её не беспокоило, что на её имени делаются немалые деньги: работы художницы тиражировались в миллионах открыток, марок, плакатов... Бабушке Мозес доставляло удовольствие, что она приносит кому-то радость.
 
 
"Я оглядываюсь на свою жизнь, как на завершённую дневную работу", - говорила она. - "И я довольна тем, как она выполнена. Жизнь такова, какой мы её делаем. Так всегда было, и так всегда будет".
 
 

Амедео Модильяни, жизненный путь, вдохновение, творчество

 

В прошлую субботу я предложила тему для дискуссии про нецензурную лексику в нашей жизни и один наш форумчанин сказал, а давайте поговорим о чем-нибудь приятном. О литературе, например. И я подумала, а почему нет. Можно о литературе или писателях, а можно о живописи или художниках... У меня дома есть альбом репродукций картин Модильяни и в комнате висит репродукция одной из его картин, и я решила предложить разговор об этом художнике...чтобы не пересказывать своими словами, нашла а интернете очень неплохой материал и предлагаю его вам...Материал может и не для дискуссии, а для того, чтобы побольше узнать о нем...хотя для дискуссии творчество Модильяни очень даже подходит...А следующей можно было бы предложить тему  "Анна Ахматова в творчестве Модильяни".

****

"Изощренная элегантность образов - это ни что иное, как благородная и гармоничное благородство тосканского искусства. Благодаря Модильяни Италия появилась в Париже". Дж. ди Сан Лазаро, 1957 г.

Амедео Модильяни появился на свет 12 июля 1884 года, в тот самый момент, когда судебные приставы описывали имущество его отца. У синьоры Модильяни как раз начались схватки, а так как законом было запрещено обыскивать комнату роженицы, все ценное имушество было снесено к ней. Амедео - четвертый реденок в семье Фламинио Модильяни, торговца углем и древесиной, и Евгении Гарсен,учительницы французского языка в народной школе. Ко времени рождения Амедео, дела его отца были очень плохи, фирма его обанкротилась, а серебрянные рудники на Сардинии, приданное его жены, были закрыты, как нерентабельные.

Близкие ласково называли Модильяни Дидо. Он был слабым и болезненным ребенком и родители как могли баловали и жалели его. В одиннацать лет у него был серьезный плеврит, а в 14 лет, в 1898 году он перенес тиф, находясь несколько недель между жизнью и смертью. На память от этого заболевания у него на всю жизнь остались проблемы с легкими, Во время долгого выздоровления, мать, которая души не чаяла в сыне, позволила ему не ходить в школу и заниматься только творчеством.

С августа 1898 года он периодически посещал Академию живописи Микели,где изучал основы живописи и рисунка, создавая заурядные портреты и натюрморты в духе академического искусства. В сентябре 1900 года у Амедео открылось легочное кровотечение и врачи сказали его матери готовиться к худшему. Однако она не сдается, решает вытянуть его из лап смерти любой ценой. Они уезжают на юг Италии. Там ему становится лучше и он с матерью отправляется в Рим, посещает Венецию. В 1902 году Амедео приезжает во Флоренцию и поступает в Свободную школу живописи обнаженной натуры, продолжая изучать в музеях искусство Ренессанса. В 1903 году он возвращается в Венецию и поступает в Институт изящных искусств. Модильни покорен красотой Венеции, однако климат там не подошел для его здоровья и в 1906 году он был вынужден переехать в Париж.

В Париже Амедео поселяется на Монматре и посещает Академию живописи Коларосси. Вскоре он понимает, что для того, чтобы получить признание в Париже нужно не только иметь талант, но и вести определенный образ жизни. Жалкий сарай из досок и листов жести становится его мастерской, где он также и жил. Находящаяся недалеко мастерская Пикассо выглядела ненамного лучше.  До 1907 года художник ведет жизнь парижской богемы, одежда его обветшала, он становится завсягдатаем кафе "Ротонда", он много рисует, но продать свои рисунки не может даже за один франк, часто соглашаесь на рюмку портвейна или кусок сыра.

Осенью 1907 года Модильяни знакомится с первым поклонником своего таланта, доктором Полем Александре, который помогает ему как может, хотя сам не богат, убеждает выставить свои картины  в Салоне независимых. В это время Модильяни также увлекается скульптурой. Однако к 1910 году Модильяни так и не приобревший известности в Париже, сыскал славу покорителя сердец. Анна Ахматова, которая посетила Париж с мужем в том же году, писала : " У него была голова Антиноя и глаза с золотыми искрами... Я знала его нищим. и было непонятно чем он живет. Как художник он не имел и тени признания."

 В 1912 году Модильяни впервые получает признание как скульптор в Осеннем Салоне, где он представил 7 работ. Как живописец, он был призан гараздо позднее.

Из-за болезни легких Модильяни вынужден оставить скульптуру, т. к. пыль вредна для него. Он вновь возвращается к живописи, начинает изображать на своих полотнах обнаженную натуру, которые поднимают его на одну ступень с Матиссом и Пикассо. "Сидящая обнаженная - одна из первых картин художника в стиле "ню". Художник передает бархатистую мягкость кожи энергичными мазками. На бедрах и руках фактура живописи кажется вибрирующей, для того, чтобы передать структуру волос, Модильяни проводит по полотну черенком кисточки. Модильяни накладывает друг на друга оттенки розового, оранжевого, желтого и белого цветов, добавляя местами берлинскую лазурь.

  "Я видел, как Модильяни пишет. С учетом малейших ньюансов он моделирует область подмышки и округлость упругой груди. Чуть заметным штрихом охватывает всю конструкцию, подчеркивает легкую выпуклость живота, демонстрирует саму сущность движения, позволяет ему жить",- писал Френсис Карко в 1919 году.

  Модильяни два года живет с Беатрис Хастингс, поэтессой и журналисткой, Отношения у них были сложные, доходило до серьезных ссор, но, расставшись с Модильяни, Беатрис признавала позднее, что была с ним очень счастлива. Она вдохновила Модильяни на создание самых известных произведений.

В 1917 году Амедео знакомится со своей будущей женой, Жаннной Эбюртен. 19-летняя Жанна без оглядки влюбляется в этого изможденного жизненными невзгодами и болезнью, 32-летнего мужчину, который к тому же беспробудно пьет, шатаясь по кафе и тратя всю выручку на выпивку. В 1918 году у них родилась дочь Джованна. Но ни рождение дочери, ни успех в творчесте уже не могут остановить пагубоной тяги Модильяни к стакану, он по-прежнему много пьет и говорит о смерти. В начале 1920 года Модильяни сильно простудился и слег. 24 января 1920 года художник скончался в больнице для бедных. После смерти мужа, Жанна замыкается в себе, находясь в доме у родителей она не плачет, только все-время молчит. Всю ночь провела она, прислонившись лбом к стеклу. В 4 часа утра она выброситась из окна шестого этажа. Смерть была мгновенной. 14-месячная Джованна Модильяни осталась сиротой.

Источник


Знаменитые и значимые скульптуры, которые надо знать

Без скульптуры искусство не может быть полноценным.

Вырезание и вылепливание людей, животных и разнообразных предметов появились в истории человечества едва ли не одновременно с наскальной живописью. Скульптуры — это те же картины, только телесные, а значит и выражающие эмоции немного по-другому. То, что говорят нам статуи, мы воспринимаем во многом проще, потому что они осязаемы и более похожи на нас, чем произведения любого другого вида искусства.
В этом материале мы собрали 15 знаменитых и значимых скульптур, созданных в разные времена из разных материалов с разными целями. Пожалуйста, делитесь в комментариях своими любимыми произведениями скульптурного искусства.

Давид

Микеланджело

Пятиметровое изваяние библейского героя Давида, созданное Микеланджело, когда тому было всего 28 лет, воспринимается как символ Флорентийской республики и одна из вершин не только искусства Возрождения, но и человеческого гения в целом.
Самый тиражируемый скульптурный образ в мире.

Мыслитель

Огюст Роден


Еще один до крайности популярный образ создан Огюстом Роденом в 1882 году. Изначально скульптура должна была называться «Поэт» и быть частью композиции «Врата ада» по мотивам «Божественной комедии». Моделью для скульптуры послужил француз по имени Жан Бо, мускулистый боксёр, в основном выступавший в Париже, в квартале красных фонарей.
 

Шагающий человек

Альберто Джакометти


Самая дорогая скульптура в истории человечества. В 2010 году 183-сантиметровая скульптура «Шагающий человек», выполненная швейцарским скульптором в 1961 году, была продана с аукциона Sotheby’s за рекордную сумму в 104,3 миллиона долларов.
Скульптура считается одной из самых важных в творчестве этого мастера, ее изображение также размещено на банкноте в 100 швейцарских франков.
 

Венера Милосская

вероятно, Агесандр Антиохийский


Знаменитая древнегреческая скульптура, созданная примерно в середине второго века до нашей эры, была найдена на острове Мелос в 1820 году французским моряком, решившим поискать на берегу древности на продажу. Руки тогда были в целости и сохранности, но были утрачены в момент конфликта между французами (нашедшими) и турками (владельцами острова).
 

Ника Самофракийская


Древнегреческая мраморная скульптура богини Ники была найдена на острове Самотраки на территории святилища кабиров в апреле 1863 года. Статую воздвигли жители острова Родос в память о победе, одержанной ими над флотом сирийского царя. Она стояла на отвесной скале над морем, ее пьедестал изображал нос боевого корабля. Могучая и величавая Ника в развевающейся от ветра одежде представлена в неудержимом движении вперед. В настоящее время находится в Лувре.
 

Пьета

Микеланджело


Пьета — распространенное название для изображений сцены оплакивания Девой Марией ее сына. Лучшая из них была сделано Микеланджело в 24 года. Безупречная композиция, эмоциональность, человечность и глубокая символичность скульптуры сделали ее образцом культуры Высокого Возрождения.
 

Нефертити


Один из самых известных скульптурных памятников культуры Древного Египта. Нефертити была супругой фараона-реформатора Эхнатона. Бюст целиком изготовлен из известняка и полностью окрашен. Особенная сохранность красивых цветов, дающих большой контраст между коричневым цветом лица Нефертити и драгоценностями короны, делают его уникальным произведением искусства. Египет и Германия, где хранится бюст царицы, уже много лет ругаются из-за нее, но никак не могут прийти к согласию.
 

Капитолийская волчица


Этрусская бронзовая скульптура, по стилистическим признакам датируемая V веком до н.э., никогда не покидала Рима, города, который основали те, кого выкормила волчица. Во времена Бенито Муссолини Капитолийская волчица использовалась как пропагандистский символ, воплощавший стремление фашистского режима возродить Римскую империю.
 

Родина-мать

Вучетич и Никитин

Одна из самых высоких статуй в мире расположена в Волгограде и является едва ли не главным символом борьбы советского народа с фашизмом. 52-метровая фигура женщины, шагнувшей вперед, зовет своих сыновей на бой с врагом.
 

Другое место

Энтони Гормли


Ландшафтная инсталляция «Другое место» — образец современного искусства, вызывающий философские размышления и наводящий меланхолию. Ровно сто чугунных скульптур высотой в человеческий рост расставлены в 2006 году на трехкилометровой пляжной линии к северу от Ливерпуля. Они обращены лицом к морю, и во время приливов некоторые из скульптур частично или полностью погружаются под воду.
 

Граждане Кале

Огюст Роден


Скульптурная группа «Граждане Кале», заказанная муниципалитетом города Кале, была завершена Роденом в 1888 году. Во время Столетней войны английский король Эдуард III осадил город, и спустя некоторое время голод вынудил оборонявшихся к сдаче. Король обещал пощадить жителей, только если шесть знатнейших граждан выйдут к нему в рубище и с верёвками на шее, отдавая себя на казнь. Это требование было исполнено. Первым вызвался отдать свою жизнь ради спасения города один из главных богачей, Юсташ де Сен-Пьер. Английская королева Филиппа исполнилась жалостью к этим исхудавшим людям, и во имя своего нерождённого ребёнка вымолила перед супругом для них прощение.
Роден революционно настоял на отказе от постамента, хоть волю его выполнили только после смерти скульптора, и фигуры находятся на одном уровне со зрителями.
 

Писающий мальчик


Главная достопримечательность Брюсселя. Точное время и обстоятельства возникновения статуи неизвестны. По некоторым сведениям, статуя существовала уже в XV веке. Одни брюссельцы рассказывают, что она установлена в напоминание о событиях гримбергенской войны, когда люлька с сыном Готфрида III Лёвенского была подвешена на дереве, чтобы видом будущего монарха воодушевлять горожан, а ребёнок оттуда мочился на сражающихся под деревом воинов. По другому преданию, статуя была изначально призвана напоминать горожанам о том мальчике, который струёй мочи потушил разложенные неприятелем под городскими стенами боеприпасы.
Начиная с 1695 года статую неоднократно похищали, в последний раз статую украли в 1960-е годы, после чего её в очередной раз заменили копией.
 

Терракотовая армия


Как минимум 8099 скульптур китайских воинов и их лошадей составляют это достояние Китая. Терракотовые статуи, каждая из которых абсолютно индивидуальна, были захоронены в боевом построении вместе с первым императором династии Цинь — Цинь Шихуанди, объединившим Китай и соединившим все звенья Великой стены в III веке до нашей эры.
Воины должны были поддержать власть императора и в загробном мире.
 

Золотой Будда


Самая большая в мире цельнолитая золотая статуя расположена в бангкокском храме Ват Траймит — в ней около трех метров, а весит она более пяти тонн.
В период войны с Бирмой статуя была намеренно покрыта гипсом, а затем никто уже не мог раскрыть секрета этого Будды. До 1957 года на статую особо не обращали внимания — до тех пор, пока она не была перевезена на новое место. Согласно слухам, во время перевозки начался дождь, перед которым статуя из-за своего веса ещё и упала с перевозившего её крана; она была укрыта от дождя, но вода всё равно смыла покрытие с одного из участков в достаточной степени, чтобы один их монахов заметил странный блеск. По другой версии, от падения гипс потрескался.

 

Источник:  http://www.adme.ru/vdohnovenie-919705/znamenitye-i-znachimye...


Назад в будущее

Фотопроект «Назад в будущее»

Слабость аргентинского фотографа Ирины Вернинг к старым фотографиям воплотилась в необычной серии портретов людей много лет спустя.

Ирина Вернинг ( Irina Werning ) родилась в Буэнос-Айресе, там она и живет до сих пор. Первоначально она училась в Экономическом университете, но потом изменила профессиональные планы и полетела в Лондонский Вестминстерский университет осваивать на факультете журналистики азы фоторепортерства. В 2007 году Ирина сотрудничала с журналом «World Press».

Ирина признается, что всегда любила возиться со старыми фотографиями, настолько, что как попадала в чужой дом, так сразу начинала рыскать в поисках этих раритетов. «Большинство из нас очарованы их старинностью, но я кроме это представляю, что и как могли переживать эти люди на фотографиях» — такие мысли родились в голове Вернинг, пока она не надумала свои фантазии реализовать на фотобумаге. Она решила порыться в альбомах своих друзей и родственников и сделать снимки тех же людей, в том же месте, но много лет спустя.Так появился ее самый известный и интересный проект «Back to the future».

 

Панчо в 1983 и 2010 году

 

Сесиль в 1987 и 2010 году

 

Нико в 1986 и 2010 году

 

Нико в 1990 и 2010 году

 

Дамиан в 1989 и 2010 году

 

Матиас в 1977 и 2010 году

 

Ян в 1984 и 2010 году

 

Люсия в 1956 и 2010 году

 

Ла Негра в 1980 и 2010 году

 

Ато в 1992 и 2010 году

 

Мечи в 1990 и 2010 году

 

Бен и Ден в 1979 и 2010 году

 

Томми в 1977 и 2010 году

 

Лулу и Джи в 1980 и 2010 году


 

Нико в 1990 и 2010 году

 

Лиа в 1980 и 2011 году

 

Энди в 1964 и 2011 году

 

Йохансен в 1994 и 2011 году

 

Мартье в 1990 и 2011 году

 

Семейство Зурбано в 1999 и 2011 году

 

Карли в 1990 и 2011 году

 

Двойняшки Кэмпбел в 1976 и 2011 году

 

Кэрол в 1960 и 2011 году

 

Соул в 1988 и 2011 году

 

Александра в 1970 и 2011 году

 

Диего в 1970 и 2011 году

 

Эван в 1957 и 2011 году

Источник


Как художники оживляют города: стрит-арт

стрит арт, художник, города

 

Самое крутое, что было нарисовано или найдено на стенах городов мира за прошлый месяц.

 


 

 

стрит арт, художник, города

 

Греция. WD

 

стрит арт, художник, города

 

Стокгольм, Швеция. Неизвестные авторы прямо напротив российского посольства

 

 

стрит арт, художник, города

 

Италия. Ernest Zacharevic

 

 

стрит арт, художник, города

 

Париж, Франция. Seth

 

 

стрит арт, художник, города

 

Германия. TASSO

 

 

стрит арт, художник, города

 

Лондон. Above

 

 

стрит арт, художник, города

 

Москва, Россия. QBic

 

 

стрит арт, художник, города

 

Италия. Sbagliato

 

 

стрит арт, художник, города

 

Сан-Франциско, США. Mona Caron

 

 

стрит арт, художник, города

 

Валенсия. Испания

 

 

стрит арт, художник, города

 

Бристоль, Великобритания. Louise Masai

 

 

стрит арт, художник, города

 

Лондон, Великобритания. Boe Art и Irony

 

 

стрит арт, художник, города

 

Нью-Йорк, США. ECB

 

 

стрит арт, художник, города

 

Лондон, Великобритания. Fintan Magee

 

 

стрит арт, художник, города

 

Словакия. Robert Proch и Chazme

 

 

стрит арт, художник, города

 

Нью-Йорк, США. Tristan Eaton

 

 

стрит арт, художник, города

 

Не спать!

 

Источник


Страницы:12